ENTREVISTA #1: LUCHO ALIPPI de AHÍNCO

 

Estuve charlando un ratito con el genio de Lucho Alippi, bajista, vocalista y compositor de Ahínco, banda de death metal progresivo oriunda de Mar del Plata. Hacía rato que tenía ganas de hacer alguna entrevista, y una de las primeras bandas que se me vino a la mente para entrevistar fue justamente Ahínco, ya que honestamente creo que es una de las bandas con más potencial de Mar del Plata. En fin, me dejo de chupar medias un rato y les dejo la charla que tuve con Lucho. 

Arranquemos con tus inicios en el mundo del sonido: ¿A qué edad fue tu primer acercamiento a la música? ¿Cómo fue?

El recuerdo más viejo que tengo de sentarme a escuchar música, conscientemente, tiene que ver con el primer PC que tuve... Tenía la clásica carpeta de "música de muestra" en la cual había cuatro canciones, entre ellas la quinta sinfonía y “Für Elise” de Beethoven, y las escuchaba una y otra vez incansablemente, tendría más o menos 9 años. A los 10, me compré mis primeros CDs, “Smash” de The Offspring, “Pappo's Blues Vol II” (cassette), “Todo está al revés” de Attaque 77 (cassette), Load y Garage Inc (recién salido... 97/98. Me hizo conocer bandas como Mercyful Fate y Misfits entre otras) de Metallica. Y creo que el primero de Hermética, en cassette también.

¿Cuándo fue que te decidiste por hacer música? ¿Cuáles fueron tus influencias iniciales?

Empecé a escuchar de muy chico, esos discos que los quemé... Junto con alguno que otro que me regalaron, como “Appetite for Destruction” y “Dookie”, los escuchaba todos los días uno tras otro, quedaron rayadísimos mal... Pero ni se me pasaba por la cabeza tocar, recuerdo que pensaba cosas como "estos tipos nacieron para esto", "es solo para gente con talento" y otras boludeces por el estilo, no había instrumentos en casa ni bandas para ver (vivía en un pueblo) así que me pasé la adolescencia escuchando. El momento en que me decidí por hacer música (o mejor dicho me convencieron) fue a los 22, unos amigos tenían una banda y ensayaban en el garage de uno de ellos, buscaban bajista y me comieron la cabeza hasta que me lo compré. No tenía equipo, así que practicaba poniendo el cuerpo del bajo contra el placard. Empecé a tomar clases, pasaba mucho tiempo tocando y empecé a darme cuenta lo estúpido de las cosas que pensaba antes, y de cuánto tiempo desperdicié pensando eso... Pero no me frustró, me hizo esforzarme más para recuperar el tiempo perdido.

En cuanto a mis influencias, son Celtic Frost, Atheist, Entombed, Rush, Grave, Enslaved, Morbid Angel, Sadus, Forbidden, Emperor, Dissection, Death, Tiamat... entre otras.

¿Cómo se dio la formación de Ahínco? ¿Cómo fue el proceso de composición de los primeros temas?

Para mediados de 2011, yo ya llevaba un año tocando con los amigos que antes mencioné y venía muy cebado con las clases, lo único malo es que sentía la necesidad de componer y en esa banda no tenía lugar para hacerlo, lo cual me frustraba... Eso fue decantando en la idea de formar una banda propia, y decididamente de metal (venía tocando rock). Los primeros temas se dieron en esa etapa, antes de irme de la banda de mis amigos, con la idea de empezar a buscar gente y tener algo que mostrarles. Los primeros temas que hice, que fueron los primeros que empezamos a ensayar con Juan, alias “Mechu”, (primer violero, actualmente en Herencia Maldita) fueron “Páramo gris” y “El viaje interior”, sumados a “Pull the Plug” de Death y algún otro cover que no recuerdo ahora. Con eso más los temas que iban saliendo empezamos a buscar batero. En cuanto al proceso… si tuviera que elegir una palabra para definir ese momento sería ansiedad... De hecho, terminamos grabando el primer disco sin haber tocado en vivo nunca. Probaba y descartaba muchas ideas, a veces porque no me cerraba, otras porque quería tocar algo que en ese momento aún no podía tocar... Tenía solo un año y pico arriba del instrumento, sabía lo que quería, pero no siempre lo lograba. Pasaba mucho tiempo encerrado tocando, los primeros que recuerdo haber hecho y terminado son los que mencioné (“Páramo gris” y “El viaje interior”) incluidas las letras, aunque no estaba en mis planes cantar sí estaba seguro de querer hacer las letras... Lo de la voz se dio cuando nos cansamos de probar cantantes jaja. En ese momento no tenía ni tocaba la guitarra, así que toda la estructura y melodías surgieron del bajo.

Siempre sentí que los shows de Ahínco son muy atmosféricos... ¿Es algo planeado por ustedes, o algo accidental?

Nos gusta mucho la música instrumental, y también lo atmosférico... Es algo que surge constantemente en los ensayos. No sé si a eso te referías con la pregunta.

Sé que además de hacer música te gusta mucho leer. ¿Cuáles son tus autores favoritos y por qué?

Si, disfruto mucho leer. Es algo que hago constantemente, me hace bien, me nivela. Hay muchos autores que me gustan y me han marcado. Kafka, Dostoievski, Levrero, Nietzsche, Hesse, Homero, Kierkegaard, Chejov, Goethe… Solo por nombrar algunos, podría seguir eternamente jaja.

¿De qué manera influyen esos autores en el proceso creativo de Ahínco?

En cuanto a la influencia, es algo personal. A veces me identifico con una narrativa o un personaje, veo alguna similitud con algo que haya vivido, aunque no necesariamente. A veces es algo que nunca me pasó pero me encuentro atrapado por la historia, pensando que tranquilamente podría haber sido yo. A veces ni eso, a veces veo algo que nada tiene que ver conmigo, pero aun así me resulta interesante y escribo sobre eso.

Una un poquito más personal: ¿Te sentís cómodo en el under o te gustaría que Ahínco fuera un poco más conocida?

Me siento cómodo en el under, me gusta el hecho de que todo mal o bien dependa de nosotros. A veces es agotador el tema de gestionar fechas o solventar gastos, poder grabar de manera acorde a lo que pretendemos y cosas así, pero de todos modos prefiero que así sea sin tener que lidiar con las pretensiones de gente ajena a la banda. A fin de cuentas, lo hacemos porque queremos, por nosotros y solo nos rendimos cuentas entre nosotros tres, el resto poco importa.

¡Muchísimas gracias por tu tiempo!

Gracias por enroscarte, y dedicarle el tiempo que te haya llevado... Ojalá sigas con esta movida. Cualquier cosa, avisá. ¡Abrazo!

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REVIEW #5: Korrosivos - "Marcas"

 

Siendo sincero, el punk rock es uno de los géneros que menos me atrae. Generalmente, siento que si quiero escuchar algo agresivo mejor pongo hardcore punk, grindcore, powerviolence, thrashcore, o algo por el estilo, pero siempre tengo alguna que otra excepción.

Hoy me toca hablar de Korrosivos, una banda de punk rock oriunda de Rosario que acaba de lanzar su álbum debut, titulado "Marcas". Y hablando de excepciones, no me sorprendería encontrarme a mí mismo escuchando este trabajo cada tanto, porque la agresión que yo busco en derivados más extremos del punk no falta acá. Es más, en este disco hay dos temas que son literalmente hardcore punk, "Represión" y "Fuego", la última siendo portadora de ganchos vocales muy efectivos.

Y hablando de ganchos vocales, me gustaría resaltar una de las grandes cualidades de esta banda, que son justamente las melodías vocales. Tracks como el tema título, "Mensajero", "Texas", "Malabarista", la ya mencionada "Fuego" y "La verdad imposible", son extremadamente gancheras gracias a las melodías vocales, la voz de Eve, e incluso algún que otro jugueteo con los coros de Punky y Lucas.

En cuanto a la música en sí... es punk rock. Es música simple, como todos ya sabemos. Peeeeero, a su favor tengo que decir que no se conforman con hacer temas de tres acordes y ya está, hay muchos temas donde realmente acuden a las bondades de tener dos guitarristas. Podría señalar el final de "Violenta conmoción cerebral" y "Pensamientos y actitudes" como ejemplo de esto. En este disco hay muy buenos riffs.

Otra cosa que me gusta de este álbum son las letras. Si bien no logro comprenderlas del todo (no sé si será porque tengo 2 de IQ o porque no son tan claras), aprecio el intento de hacer letras serias (con la excepción de "Texas"). De igual manera, hay veces donde siento que se podrían haber fraseado un poco mejor, pero realmente el hecho de que no sean letras exageradamente estúpidas como las que abundan en muchas bandas de punk rock es un alivio.

En cuanto a la voz de Eve, está muy bien. Es una voz de punk rock estándar que cumple: cuando el tema requiere que ella sea más agresiva, lo es, y cuando es un tema un poco más tranqui, se relaja. La batería y el bajo, por su parte, sirven bien a la base rítmica, e incluso tiran algún que otro detallito como en "Malabarista".

El mix, en mi opinión, está bien hecho. Suena algo sucio, pero a la vez todo se escucha perfectamente. Creo que los coros quizás podrían haber estado un poco más altos en la mezcla, pero es algo muy menor.

En conclusión, creo que es un disco de punk rock muy sólido. Ciertamente no va a cambiar el mundo de la música ni un poquito, pero dudo muchísimo que ese sea el objetivo de los chicos. Lo más probable es que toquen punk rock porque les gusta y ya, y eso queda más que demostrado en este trabajo. Es un álbum que está hecho con cariño, y eso el oyente lo va a notar mucho. Mi nota final es un 84/100. 

Pueden escuchar este disquito en Bandcamp, donde también lo pueden descargar 100% gratis. Pero no sean malos y denles aunque sea un dólar. Una hamburguesa sale más cara. 

En cuanto al dios de las reviews, también conocido como Pulverización Sonora, lo pueden seguir en Instagram para no perderse ninguna review que suba. 

REVIEW #4: EVILER - "Desecration of Demons"

 

No gente, no se me emocionen. Este no es Varg Vikernes, este es Varg Von Deviant. Suena parecido, pero son dos personas completamente distintas. De igual manera, tampoco se me depriman, porque este chico oriundo de Argentina es bastante talentoso también.

Varg nos trae su nuevo material bajo el nombre de Eviler (también tiene otros proyectos, como Toxic Goat y Deepvoid), y toca un black/thrash que va a cautivar el oído de los thrashers y los blackers por igual.

En este corto demo, Varg nos da una clase maestra sobre cómo tocar un riff más de 800 veces y no aburrir. Esto, que podría parecer un insulto peor que la peste negra, no es más que un halago bastante grande. Primero, porque eso que mencioné se debe a que los riffs son tan buenos que los vas a querer escuchar 40 veces seguidas en bucle, y segundo, porque habla muy bien de la estructuración de las canciones. Además, los solos, si bien son poco inteligibles, nos dan un respiro de los constantes asaltos vocales de Varg... Y ahí es donde llega el primer problema que tengo.

Si bien soy consciente de que es un demo y lo que menos importa es la producción, creo que las canciones se beneficiarían mucho con vocales un poco más bajas en el mix. Ahora, no me malinterpreten, se escuchan todos los instrumentos, pero las voces pueden ser un poco invasivas por momentos; además de que con un posicionamiento más discreto en la mezcla, el demo podría tener una atmósfera aún más oscura.

Mi otro problema, es que a veces algún instrumento suena un poco a destiempo, pero se lo perdono porque es un demo. Y por último, las basslines de "Metamorphosed" las siento un poco flojitas, pero no es nada que no se pueda arreglar en un futuro LP.

En conclusión, "Desecration of Demons" es un buen demo de black/thrash caótico y oscuro, que debería saciar tu sed de tupa tupa. A pesar de que tiene alguna que otra falencia, muestra un enorme potencial. Espero muy ansioso un LP completo. Creo que una nota justa es 75/100. 

Péguenle una escuchada al demo en Bandcamp y YouTube. En cuanto a mí, me pueden seguir en Instagram y Twitter. 

REVIEW #3: DARK SKY BURIAL - "Quod Me Nutrit Me Destruit"

 

Supongo que si están acá, es porque se enteraron que Shane Embury de Napalm Death y Brujería volvió a formar una nueva entidad musical, bajo la cual lanza música que compone e interpreta él solo. Si bien no sorprende que haya formado otro proyecto alternativo más, sí sorprende que esta vez sea un proyecto bastante tirado al ambient, ya que generalmente suele hacer música extrema con sus otros side projects.

¿Y cómo es este nuevo proyecto? Si tuviera que usar palabras clave para responder a esta pregunta, diría que es macabro, tenebroso y muy oscuro.  Además, Embury sabe muy bien que la variedad es clave en un estilo que, irónicamente, se basa en la repetición constante. Sabe que necesita varias capas de sonido para generar una atmósfera poderosa, y sabe también que esas misma capas de sonido deben contener elementos que no estén siempre presentes, que aparezcan justo en el momento adecuado para asegurarse de que en la repetición, haya un poco de variedad también. Y precisamente esto que estoy diciendo, ocurre en la gran mayoría de los tracks. Cuando una melodía se repitió hasta el hartazgo, aparecen distintos elementos para acompañarla y que el álbum no se convierta en un auténtico festival de bostezos. Esos elementos pueden ser, una capa de sonido nueva con otra melodía de fondo, una percusión que aparece de la nada para nuestra sorpresa, o quizás un sampler de voz.

Estoy bastante seguro de que este álbum está completamente hecho por computadora, pero algunos sonidos se acercan mucho a pianos, teclados y órganos sútiles, siendo esto evidente en el track homónimo.

Nunca jugué un Castlevania, pero no me sorprendería que tracks como "Excarnation" aparecieran en un videojuego de ese estilo, ya que tiene un sonido vampirezco bastante característico. Sin duda es uno de los tracks más remarcables de este trabajo. Otros que definitivamente merecen un resaltador por encima, son "Forest of Pain", por su pegadiza melodía, y "Safe Journey to the Underworld" por sus sonidos calmos y el tono misterioso de sus golpeteos de percusión.

Hay algunos tracks que no son tan remarcables. Por ejemplo, "Slavery to the One" y "Within this Human Wreckage" no tienen ningún tipo de melodía interesante. Por otra parte, "The Vertical Labyrinth" tiene sonidos muy interesantes pero también tiene una estructura poco variada. Ninguno de estos 3 tracks es inescuchable, de hecho son disfrutables en el contexto de un álbum de ambient, pero si los comparamos con otras pistas de este mismo disco, se quedan un poco atrás.

En conclusión, este es un excelente esfuerzo por parte de Shane Embury. Muchísimas capas de sonido y un posicionamiento casi estratégico de las mismas hizo que incluso los tracks que en teoría son poco interesantes, se vuelvan disfrutables; y no solo eso, durante todo este trabajo se generan paisajes ambientales muy cargados, gracias a las abundantes capas mencionadas anteriormente. Si eso suena como algo que te podría llegar a gustar, te invito a que le pegues aunque sea dos o tres escuchadas. Para mí, es un sólido 85/100.

Por el momento, solo lo pueden escuchar en Bandcamp, pero pueden escuchar el track "The Vertical Labyrinth" en YouTube. En cuanto a mí, me pueden seguir en Twitter y en Instagram. 

REVIEW #2: STEVEN WILSON - "The Future Bites"

Mientras que Steven Wilson se aleja de los sonidos progresivos a los que estaba acostumbrado antes, se escuchan dos voces. Una dice, con mucha furia, "ESTE ÁLBUM ES UNA MIERDA!!!!!! STEVEN WILSON SE VENDIÓ Y AHORA HACE MÚSICA PREFABRICADA Y SIN ALMA!!!!!!"; mientras que la otra voz dice, cegada por el fanatismo, "ESTE ES EL MEJOR ÁLBUM DE LA HISTORIA!!!!!! TE AMO STEVEN WILSON!!!!!!!!!".

Pero, de repente, se asoma una tercera voz... Se dice que es la voz del omnipotente y todopoderoso Pulverización Sonora, el dios de las reviews y todo lo que es auditivo. Mientras toma un sorbo de su chocolatada veraniega, se lo escucha decir, "che ta' bueno esto".

Yo sé que quizás no soy el más apto para reseñar este álbum, después de todo solo escuché a Wilson desde "The Raven that Refused to Sing", y jamás escuché un solo tema de Porcupine Tree. Pero mi interés por Steven pasa por otro lado: es el productor de algunos de mis discos favoritos de Opeth, y siempre me gustó su voz.

En "The Future Bites", casi que lo único que sobresale de Wilson es su voz, y la manera en la que las melodías vocales están armadas. Después de todo, este es un disco que casi que abandona cualquier sonido que haga acordar al rock, en favor de un sonido más popero y comercial. Ahora, esto es algo que se veía venir con el álbum anterior, "To the Bone", donde los sonidos electrónicos tenían un relativo protagonismo en algunos temas; pero es que en "The Future Bites" el protagonismo se lo llevan en casi todos los temas. De hecho, las guitarras cumplen más una función secundaria que otra cosa. Esto sería un gravísimo problema, si no fuera porque el ex-Porcupine Tree se las arregló para hacer del disco que nos compete hoy, una experiencia muy disfrutable, con relativa variedad y temas extremadamente pegadizos.

Si bien hay canciones que en teoría serían poco remarcables, como "King Ghost", que tiene un estribillo con melodías de sintetizador exageradamente clichés, o "12 Things I Forgot", que contiene versos con riffs de guitarra acústica muy típicos, se ven rescatadas por las melodías vocales de Wilson, que hace que los temas sean muy pegadizos e infecciosos. Otro ejemplo de esto es "Follower": ni bien termines de escucharlo se te van a quedar grabadas en la cabeza las palabras "follow" y "me", con algún que otro "oooh oooh" agregado.

Como dije más arriba, este es un disco variado, y los temas que destacan lo hacen por razones distintas. "Eminent Sleaze" es un tema con orquesta y una fuerte presencia del bajo que le da un leve tono funky, así como también un solo de guitarra que no quedaría para nada fuera de lugar en un disco viejo de los Red Hot Chili Peppers. "Man of the People" es un bellísimo tema nocturno con ecos en todos lados: en la guitarra, en los sintetizadores, en las voces, en todo; y queda muy pero que muy bien. "Personal Shopper" es una auténtica obra maestra, en la que Wilson se las arregla para hacer un tema pseudo-popero de casi 10 minutos sin que suene repetitivo, gracias a la gran cantidad de secciones y pasajes distintos, entre las que se incluye una transición spoken word interpretada por Elton John. Y por último, el tema que cierra el álbum, "Count of Unease", es muy calmo y triste, y contiene una linda parte instrumental que llega a ser muy atmosférica.

La voz de Steven es reconocible al instante, y cada tanto se tira algún falsete para alardear de sus grandes cualidades como vocalista. También hay algunas secciones donde su voz parece un instrumento más, como por ejemplo en las ya mencionadas "Man of the People" o "King Ghost". Sus letras en este álbum se centran en la introspección, y la crítica al consumismo y al poder. No son nada de otro mundo, pero tampoco son ofensivamente malas.

Otra cosa que vale la pena remarcar es que Wilson cuenta con la ayuda de muchos coristas en este álbum, como es su costumbre hacerlo, y debo decir que sin ellos (y ellas) este disco sería bastante menos disfrutable. Digo esto porque los coros le dan una variedad increíble a este trabajo, ya que diversifican mucho la parte vocal del álbum. Temas como "Personal Shopper" no serían lo mismo sin los coros.

Hubo muy pocas cosas que me disgustaron, "King Ghost" y la intro, "Unself", son probablemente los tracks más flojitos, el último siendo portador de un gran potencial que se vió arruinado por su escasa duración: tan solo 1 minuto. "King Ghost", como ya dije, es un tema bastante típico y a veces las melodías vocales parecen pertenecer más a un disco de Dream Theater que a uno orientado al pop. Y eso es todo lo malo... Ni siquiera son temas horribles, sino que simplemente no son tan disfrutables como el resto del álbum.

Entonces... ¿en qué quedamos? ¿Es "The Future Bites" una basura comercial? ¿O es un buen disco? Respondiendo a esas preguntas, les digo que si bien este último trabajo de Wilson es muy comercial, no es para nada basura. Además de que, con la excepción de tracks como "Follower", "Man of the People" y "Count of Unease", dudo que este disco sea del agrado del mainstream, mucho menos de los jóvenes. Si bien es un disco más simple y un poco más comercial, está muy bien logrado gracias a la diversidad de los elementos, la gran cantidad de invitados, y por supuesto la voz y las melodías vocales de Steven Wilson. El ex-Porcupine Tree podrá haber cambiado su sonido, pero se nota que su ambición por hacer buena música y experimentar con ella, sigue más que vigente.  Este disco es fácilmente un 8, pero como me gusta hacerme el Metacritic, le voy a dar un 83/100.

 

Si los convencí de darle una escucha, lo pueden escuchar en esta playlist de YouTube o en Spotify. Si te gustan mis reviews, podés darme un follow en Twitter y en Instagram.

REVIEW #1: ACRANIA / VULVODYNIA - "Societal Lobotomisation"

 

 

 

Honestamente, me daba un poco de paja escuchar este split porque ya no estoy tan metido en el slam. En mi opinión, se convirtió bastante rápido en el nuevo deathcore: un género tan estúpidamente explotado que el 90% de las bandas no valen la pena, porque suenan todas iguales. Por eso mismo, Vulvodynia no me interesaba mucho, pero lo que sí me interesaba era escuchar lo nuevo de Acrania, ya que siempre me pareció una banda única y creativa dentro del género. Vamos a ver qué onda.

El contenido lírico de ambas bandas está centrado en el "anti-sistemismo", en la idea de que el ser humano es una mierda, y que nuestros cerebros están lavados por los medios de comunicación. Ahora, puedo estar o no de acuerdo, pero más allá de eso, las letras están presentadas de una manera bastante infantil, volviéndose dolorosamente predecibles. Culpa mía por esperar algo interesante proveniente del slamcore.

Compositivamente, los temas de Acrania son dos de los mejor estructurados en toda su carrera, contando con muchísimas menos secciones que parecen forzadas. Están presentes las melodías vocales a la velocidad de la luz de Luke Griffin, como de costumbre, que a mis ojos (u oídos) son parte fundamental de Acrania, quizás incluso más importantes que la instrumentación.

La voz de Luke Griffin es única y se puede reconocer al instante, y sus melodías vocales tan rápidas crean una especie de "envíon". Si escuchaste su voz y te gustó, vas a querer seguir escuchándolo hasta que lamentablemente se calle.

En este split, Acrania presenta algunas influencias nuevas, que se ven con claridad en "Legions of the Unenlightened", mostrándonos secciones bastante reminiscentes de bandas como Rings of Saturn y quizás también una pizca de Cattle Decapitation. Un poco más de variación a la fórmula nunca viene mal, y menos si lo implementan de manera tan natural.

En cuanto a los temas de Vulvodynia... uno es bastante insulso y otro es algo remarcable. "The Disconnect" es un tema genérico de slam de toda la vida, y que la voz de Duncan Bentley sea tan carente de alma no ayuda. A pesar de eso, "Aborning Pestilence" es muy dinámica y se las arregla para contrarrestar las vocales pedorras, pero no puedo evitar pensar que juguetea un poco con la línea que separa lo que es genérico de lo que no lo es. Ah, y detesto cuando la producción suena tan saturada. Pero bueno, al menos los solos son bonitos.

Como un detalle aparte, me hubiese gustado que los temas no estuvieran intercalados y que sea más como un split tradicional, donde en el tracklist primero están los temas de una banda, y después los temas de la otra.

En conclusión, es un buen split. Peeeero, si esto fuera una competencia, Acrania ganaría por lejos, ya que es claramente la banda más creativa de las dos. Vale la pena escuchar el split aunque sea por los temas de Acrania, y el último tema de Vulvodynia. Diría que mi puntaje es un 72/100.

Podés escuchar el split en Bandcamp, Spotify, y YouTube. Si te gusta este tipo de contenido, seguime en Instagram, donde voy a estar subiendo contenido similar.